Gótico
Nació, durante la Baja Edad Media, en un momento de cambios económicos, sociales y políticos que supusieron el incremento del crecimiento económico y de la producción agrícola, esto conllevó un auge del comercio y del poder urbano, mientras que en lo político se fortaleció la autoridad de las monarquías frente a la nobleza. Todas estas circunstancias supusieron la renovación de la estructura socio-económica que potenció una nueva concepción de Dios y del hombre.
El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.
En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.
El Arte Gótico se caracteriza por la construcción de monumentales edificaciones como las catedrales, que a diferencia de sus antecesoras (edificaciones románicas) están dotadas de mayor iluminación. Existió un desarrollo tanto de la arquitectura civil como de la religiosa, así mismo la escultura y la pintura se independizaron del soporte arquitectónico.
Arquitectura
Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII
La arquitectura gótica se caracterizo por la ligereza estructural y la iluminación de las naves de los edificios.
Esta nueva arquitectura, utiliza un empirismo ingenieril que le permite inventar ingeniosas soluciones tectónicas para el fin de crear espacios de gran altura y colorido.
| | 1. Gótico temprano
2. Gótico Clásico
3. Gótico radiante o rayonnant
4. Expansión de la arquitectura gótica.
5. Gótico final o tardío
5.1 Estilo flamígero (flamboyant)
5.2 Estilo perpendicular
5.3 Arquitectura civil |
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1. Gótico temprano
En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias.
Fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas
En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores.
Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales
Un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio)
Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera etapa.
2. Gótico clásico
La Catedral de Chartres (comenzada en 1194). Donde se eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero se mantuvo el triforio, se recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles. Se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. Cada vano se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.
Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210). Con sus equilibradas proporciones, Reims representa el momento clásico de serenidad y reposo en la evolución de las catedrales góticas.
La tracería calada, característica de la arquitectura gótica tardía, fue utilizada por el primer arquitecto de Reims.
En la tracería calada cada ventana se subdivide en dos o más arcos apuntados por medio de finas columnillas de piedra llamadas parteluces, y en la parte superior aparece un diseño que produce el efecto de un recortable.
Redujo el claristorio en favor del cuerpo de arquerías y del triforio.
Enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares.
3. Gótico radiante o rayonnant
El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo.
La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería.
Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.
Los inmensos ventanales, que se elevan casi desde el nivel del suelo hasta el arranque de las bóvedas, ocupan la totalidad del espacio entre los haces de columnas, transformando de este modo la capilla en una robusta armadura pétrea recubierta por superficies acristaladas por donde se filtra la luz a través de vidrieras multicolores.
El progresivo aumento de los vanos hizo posible la creación de un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las vidrieras. Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.
En las ventanas de las capillas subsidiarias y de las naves laterales se dispusieron pequeñas vidrieras en forma de medallones, que ilustraban episodios bíblicos y de la vida de los santos...
4. Expansión de la arquitectura gótica.
En España, este estilo también está representado por las grandes catedrales urbanas.
Las catedrales españolas no fueron copias provincianas de los modelos franceses, y en ellas se perciben características arquitectónicas y decorativas propias de la cultura hispana, como la introducción de elementos mudéjares.
En el siglo XIV el mayor desarrollo arquitectónico tuvo lugar en Cataluña y Levante. El modelo de catedral en esta área se adecuó a los postulados del sur de Francia, por lo que se ha denominado gótico mediterráneo. Este estilo se caracteriza por el predominio de la planta de salón —consistente en la disposición de naves a la misma altura—, la diafanidad espacial, el aprovechamiento de los vacíos entre contrafuertes para alojar capillas, la escasa iluminación y la supresión de los arbotantes, lo que se traduce en exteriores macizos y sin esa tendencia a la verticalidad propia del gótico francés más ortodoxo.
En Alemania, el gótico también apareció a lo largo del siglo XIII, aunque en una primera fase convivió con los esquemas románicos autóctonos, se materializó el modelo de iglesia-salón característica del gótico mediterráneo.
En Italia y Gran Bretaña la influencia francesa fue escasa.
En Gran Bretaña, la influencia de la arquitectura gótica francesa tan sólo se manifiesta en dos ocasiones, los arquitectos ingleses desarrollaron su propio lenguaje gótico que enfatizó la longitud y la horizontalidad. La girola poligonal o semicircular francesa se sustituyó por una cabecera cuadrada, prolongada en ocasiones por una rectangular Lady chapel o capilla de la Virgen. Este acusado alargamiento de la planta, a menudo determinó el uso de dos transeptos y la multiplicación de nervios en las bóvedas, algunos de los cuales fueron puramente ornamentales.
La introducción de tracería calada en la abadía de Westminster produjo una espectacular evolución de estos elementos.
El periodo decorativo siguiente (Decorated style), con su profusa ornamentación, cuenta con ejemplos como el coro de la catedral de Lincoln (comenzado en 1256), el crucero de la catedral de Wells y la torre octogonal de la catedral de Ely, entre otros.
5. Gótico final o tardío
Gótico flamígero o flamboyant, nombre derivado de los paralelismos entre los motivos de la intrincada tracería curvilínea y la forma de las llamas. La profusa decoración del estilo flamígero se localiza generalmente alrededor de los vanos exteriores. El interior de las iglesias emprendió un proceso de simplificación basado en la eliminación de obstáculos visuales, como los capiteles sobre soportes verticales. El interés estructural se concentró en las bóvedas, cuyos nervios, terceletes y ligaduras conformaban una tupida red de complicados diseños.
a. Estilo flamígero (flamboyant)
La arquitectura flamígera se origina en la década de 1380 con la obra del arquitecto cortesano francés Guy de Danmartin. Sin embargo el estilo no se consolidó hasta la conclusión de la guerra de los Cien Años El auge de la arquitectura flamígera se produjo entre el final del siglo XV y el primer tercio del siglo XVI en la obra de Martin Chambiges y su hijo Pierre
Difundido por gran parte del continente, el estilo produjo sus frutos más elaborados en España. Creación del denominado estilo hispano-flamenco, caracterizado por la fusión de formas flamencas y mudéjares. También recibe el nombre de isabelino por corresponder cronológicamente con el reinado de Isabel I la católica. Entre los arquitectos más destacados de este último gótico cabe reseñar a Hanequin de Bruselas ,Juan Guas, con Antón y Enrique Egas; Juan y Simón de Colonia, Juan Gil de Hontañón,
En Portugal, durante el reinado de Manuel I (1495-1521), apareció un gótico nacional conocido como estilo manuelino, marcado por la profusión ornamental de motivos exóticos y marineros
b. Estilo perpendicular
Inglaterra también tuvo su propio estilo gótico tardío, el estilo perpendicular, Se caracteriza por el uso de molduras verticales en los muros y las tracerías y por las bóvedas de abanico.
Arquitectura civil
Durante el periodo gótico tardío se construyeron un gran número de edificios civiles: ayuntamientos, castillos fortalezas, una tipología residencial con barreras militares que incorporaba interesantes innovaciones arquitectónicas. Se realizo una techumbre de vigas vistas de roble que se convirtió en el prototipo para numerosas iglesias parroquiales inglesas.
En Francia, desde finales del siglo XV hasta las primeras décadas del siglo XVI, se construyeron numerosos châteaux en estilo flamígero. Se caracterizan exteriormente por sus tragaluces y buhardillas. Otros ejemplos destacables en el campo de la arquitectura civil son el gótico veneciano del palacio del Dux ; el gótico tudor inglés del palacio de Hampton Court y los espléndidos edificios administrativos españoles.
Escultura
La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales.
La escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter predominantemente arquitectónico.
Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta.
En el estilo considerado protogótico destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la. En Francia cabe reseñar las estatuas-columna de la fachada occidental de la catedral de Chartres, que datan aproximadamente de 1155. Las estatuas del pórtico Real de Chartres poseen unas proporciones y un sentido del volumen que revelan un naturalismo ajeno al mundo románico. Sin embargo, las estatuas-columna no eran las únicas manifestaciones escultóricas figurativas de las portadas, que seguían un rico y elaborado programa iconográfico centrado en los altorrelieves del tímpano, arquivoltas y en menor medida, en los dinteles de las puertas. En los parteluces, solían aparecer estatuas de la Virgen, Cristo o algún santo relacionado con la iglesia catedralicia.
Sin embargo, las manifestaciones protogóticas todavía conservaban un cierto carácter románico. En torno a 1180 la estilización románica evolucionó hacia un periodo de transición en el que las estatuas comenzaron a asumir una serie de rasgos naturalistas como la gracia, elegancia, solemnidad, sinuosidad y libertad de movimientos. Este estilo ‘clasicista’ culminó en la primera década del siglo XIII en las series de esculturas de las portadas de los transeptos norte y sur de la catedral de Chartres.
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| . | Aparición del naturalismo |
Los convencionalismos en el tratamiento de los pliegues fueron reemplazados por volúmenes más sólidos y naturales esculpidos en forma tubular, característicos de la escultura gótica posterior. Al mismo tiempo las estatuas se liberaron del soporte arquitectónico.
Se consolidó el típico rostro de las figuras góticas: forma triangular, mentón destacado, ojos almendrados y una marcada sonrisa. Al mismo tiempo se inició la representación de posturas y gestos amanerados, que resultan de una síntesis entre las formas naturalistas, la elegancia cortesana y una delicada espiritualidad.
Otros géneros desarrollados por la escultura gótica fueron las imágenes votivas, esculturas de bulto redondo de pequeño tamaño con representaciones de la Virgen y el Niño o de Cristo crucificado, en las que se aprecian los cambios iconográficos que se produjeron en el mundo gótico, como una mayor humanización y naturalismo. Por otro lado, el relieve alcanzó gran esplendor en los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros de grandes personajes.
En relación con las tendencias naturalistas, aparecieron interpretaciones más humanizadas de la Virgen con el Niño, imágenes que muestran una relación amorosa en la que la Virgen mira a su hijo dulcemente o juega con él mientras le ofrece una flor o una fruta. Un ejemplo de esta nueva iconografía es la Virgen con el Niño de la portada inferior de la Sainte-Chapelle, un modelo que siguió vigente en Europa durante varios siglos.
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| . | Difusión de la escultura gótica |
Escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania.
La escultura gótica alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal.
En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados franceses. El taller más representativo fue el de Pisa,
Aunque durante las últimas décadas del siglo XIV un número creciente de escultores italianos adoptó los principios del estilo gótico francés, sus obras muestran el conocimiento del desnudo clásico y la diferenciación entre cuerpo y vestimenta. Esta fase de la escultura italiana acabó poco después de 1400, con las puertas de bronce para el baptisterio de la catedral de Florencia realizado
Pintura
Pintura Gótica en España
La pintura gótica española recibe influencias de las corrientes góticas europeas.
Desde el siglo XIII hasta el XVI se produce una evolución que da lugar a tres variantes:
· Pintura Franco-Gótica o Gótico Lineal
· Pintura Ítalo-gótica o Gótico Internacional
· Pintura Hispano-Flamenca
Estilo Franco-Gótico o gótico Lineal
En Francia, durante la segunda mitad del siglo XIII y la primera del XIV se origina la dificultad de desarrollar la pintura mural debido a la ausencia de muros en las grandes construcciones góticas. Ello provoca que el interés principal de la actividad pictórica se dirigiera hacia las vidrieras y las miniaturas.
En este contexto, la pintura románica precedente va a sufrir influencias italianas (clasicismo de las figuras y las composiciones) y bizantinas (ordenamiento simétrico, elegancia y el recargamiento lujoso de las imágenes)
Nace así la pintura gótica lineal o franco-gótica, aplicada especialmente a los libros miniados y las vidrieras.
Tanto en unos como en otras, la técnica de representación se cifra en hacer resaltar las figuras, de colores planos primarios (azul, amarillo, rojo) muy intensos (para imitar el efecto de las vidrieras) y recortadas por líneas, sobre el fondo monocromo. El resultado final no es radicalmente distinto al del románico, pero en la pintura gótica lineal se produce menor hieratismo y mayor movilidad, con ciertas emociones representadas en los personajes.
Los mejores vidrieras francesas del siglo XIII se encuentran en Paris ( Notre-Dame y la Sainte-Chapelle) y Chartres.
La miniatura se caracteriza por los encuadramientos arquitectónicos, así como por la viveza cromática, el abundante empleo del oro, las orlas de temas vegetales y decoración historiada de las letras capitales.
La fusión de lo francés con lo hispano va a conferir a esta pintura un cierto mudejarismo que se detecta en los fondos planos dorados con decoración geométrica (a la manera árabe) que se emplean.
En el campo de las vidrieras, pertenecen a este estilo algunas vidrieras de la catedral de León. También hay que destacar los frescos de la catedral de Salamanca.
Estilo Ítalo-Gótico o Pintura Gótica Internacional
La pintura Ítalo - gótica o Internacional llega de la influencia de la escuela italiana de Siena (Duccio, Simone Martini...).Se funden las características de la Escuela de Siena (líneas curvas) con las de la Escuela de Florencia ( figuras con volumen)
Corona de Aragón :Conocemos algunos importantes pintores de este estilo, como: Ferrer Bassá, Hermanos Serra
Corona de Castilla: Nicolás Francés y Dello Delli
Estilo hispano - flamenco
Se desarrolló durante la segunda mitad del sig. XIV. Llega la influencia de los primitivos flamencos porque muchos han venido a decorar catedrales y habían creado escuelas o porque se ven sus obras.
Corona de Aragón: Luis Dalmau, Jaime Huguet
Corona de Castilla: Fernando Gallego .Jorge Inglés
Pintura Gótica española durante el Reinado de los Reyes Católicos: Bartolomé Bermejo, Pedro Verruguete
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